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BIACS3: Entrevista con Peter Weibel


Peter Weibel



La BIACS representa la más destacable iniciativa llevada a cabo en Sevilla con el fin de acercarla a los circuitos internacionales del arte contemporáneo. El objetivo se antoja ambicioso; entre otras cosas, por tratarse de una ciudad prácticamente huérfana en propuestas contemporáneas del más alto nivel (reducidas casi por completo al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo)) y, quizás a consecuencia de esto, con un grado relativamente bajo de tolerancia a las mismas.

Para esta tercera edición, expandida a la ciudad de Granada, la Bienal ha contado con la dirección curatorial de Peter Weibel, artista multimedia, teórico del arte y director de ZKM Karlsruhe (Centro para el Arte y la Tecnología de los Medios), institución desde la que lleva años promoviendo la investigación interdisciplinar encaminada a desarrollar las conexiones entre el arte y las nuevas tecnologías.

En esta entrevista hemos tenido la oportunidad de conocer su opinión sobre los nuevos planteamientos y cambios cualitativos que se están produciendo en la práctica y recepción artística, consecuencia del exponencial desarrollo tecnológico que vivimos en la actualidad.





AfN: La región de Andalucía ha padecido durante años una seria escasez de propuestas de arte contemporáneo. ¿Le ha resultado difícil conectar con la escena artística andaluza?

Weibel: No, en absoluto. He estado en varias galerías de Sevilla y el nivel me ha parecido muy alto. He conocido a gente de las instituciones, de la universidad, he charlado con algunos estudiantes y el nivel me resulta muy interesante. En la bienal verás que unos 10 de los 150 artistas, pintores, artistas de nuevos medios y arquitectos son andaluces, lo que es un porcentaje bastante alto.

AfN: ¿Y cree usted que las ciudades de Sevilla y Granada han conectado con las ideas propuestas en BIACS3?

Weibel: No creo que Granada haya conectado, ni la ciudad ni la gente, porque creo que la exposición está siendo visitada allí mayoritariamente por turistas. Creo que en Sevilla ha habido un gran éxito de público, muchos visitantes, y me parece que, aunque la BIACS no ha sido aceptada aún, está empezando a serlo. A la gente que ha visto la bienal le ha gustado mucho, pero no ha tenido la suficiente publicidad ni comunicación, mucha gente en Sevilla no conoce todavía esta bienal.

AfN: Señor Weibel, el título de esta bienal es youniverse; ¿a qué hace referencia el nombre?



Red Eyed Sky Walkers, por Jenny Marketou

Weibel: Es un rasgo típico de los media post-modernos: un juego de palabras. Hace 30 años, empezamos a hacer un uso experimental del lenguaje, como la poesía; cuando decíamos, por ejemplo, "Sevilla for", usábamos el número 4 en lugar de "for", y entonces a todo el mundo le pareció que era algo que no podía hacerse por ser demasiado experimental. Pero lentamente, tras 30 ó 40 años usando la poesía experimental en publicidad, se ha ido aceptando más y más. El título de esta edición es youniverse: tú como persona, como usuario, como parte del universo. El universo no existe sin tí, eres parte de él; eres parte del sistema que observas, eres un observador desde dentro del mismo. Tienes la oportunidad de cambiar el universo a través de tu interactividad y participación. Ése es el reto: tú eres el universo, eres parte del mismo, participas, interactúas, actúas en él y lo modificas.

AfN: ¿Por eso se han seleccionado tantas obras interactivas?

Weibel: Exacto, precisamente por eso. Las obras digitales son siempre interactivas, ya sea de modo mecánico, manual, a través de un ordenador... pero también tenemos obras analógicas, fotografía normal, pintura normal, escultura normal... obras que también muestran algunas de esas ideas sobre el universo. Yo diría que, al igual que los medios más contemporáneos, los medios clásicos también pueden participar en la discusión de lo que significa youniverse; escultura, fotografía o pintura pueden enfatizar la idea de participación en el universo.

AfN: Ahora mismo cualquier persona puede acceder con relativa facilidad a herramientas de creación muy poderosas; ¿qué efecto puede tener esta democratización del proceso creativo en el propio desarrollo del arte?

Weibel: Lo que está muy claro es que la tecnología ha sido y será siempre un amplificador. Puede ser un amplificador de nuestra voz: con el micrófono puedes hablar mucho más alto que con la voz natural. Con un microscopio amplías las posibilidades de la visión, para ver cosas más pequeñas que a simple vista; con un telescopio puedes ver cosas mucho más lejanas. Así que es evidente que esta tecnología es un amplificador de nuestros sentidos e intensifica nuestras facultades. Y es también un amplificador de nuestro cerebro y de nuestra mente: los ordenadores pueden calcular más rápido y mejor, y hacer otras muchas cosas que nosotros no podemos. Por último vemos que la tecnología es también un amplificador de nuestro talento, de nuestras capacidades y creatividad. Normalmente tendrías que aprender mucho para poder componer música, pero ahora las técnicas compositivas, lo que llaman "algoritmos", pueden ser implementadas en la tecnología, con lo que es mucho más sencillo manejar ciertos recursos; simplemente con apretar ciertos botones y organizar ciertos elementos ya puedes iniciar la creación musical, la cual es generada en el ordenador por un algoritmo. Eso significa que, aunque tu creatividad no pueda ser amplificada, cuentas con la ayuda de una máquina que te proporciona un rendimiento artístico mucho mayor que nunca antes.

Durante cientos de años hemos necesitado de grandes expertos, los pintores, que eran quienes tenían la capacidad para crear imágenes. Hoy, con una cámara, cualquiera puede crear una imagen. Eso significa que los artistas profesionales, esa clase exclusiva que tenía el monopolio de la creatividad, está perdiendo el mismo a causa de estas máquinas; ahora este monopolio se está transladando al público. Pueden intentar evitarlo, pero los artistas del mercado del arte perderán porque la tecnología está invadiendo nuestro mundo y más y más gente cuenta con herramientas para desarrollar su creatividad. En este momento podemos observar en youtube y en otras plataformas de internet esta enorme creatividad de las masas.

Antes creábamos arte para las masas: bajamos mucho el nivel de pintores y cantantes para llevar el arte a las masas; teníamos que globalizar el nivel. Así que el arte empezó a funcionar sólo como entretenimiento. Damien Hirst y Jeff Koons son los mejores ejemplos de artistas al estilo de los de Las Vegas -y en mi opinión, Frank Sinatra ha sido mucho mejor artista en este sentido que Hirst y Koons.




Pero ahora ya no hablamos de arte como entretenimiento para las masas. Ahora tenemos una nueva idea: son las propias masas las que hacen el arte. Cuentan con una plataforma que es internet, una red global. Así que tenemos que pensar cómo podemos conservar esa plataforma y cómo hacer los museos más flexibles: que el museo sea una una oportunidad pública para ser creativos. El museo está para evitar que la obra de arte se esfume; es una especie de Arca de Noé. Ahora se está extendiendo la idea de preparar una plataforma pública para proteger las obras de arte hechas por las masas. Al cambiar las políticas museísticas ha cambiado también la posición de los artistas. Mucha gente tiene ahora la oportunidad de ser creativo y eso significa que, incluso para la gente de Hollywood y de la televisión, será muy difícil sobrevivir ante esta competencia, porque cualquier persona tiene la posibilidad de hacer un programa mucho más divertido que los profesionales. Así que los profesionales que hayan perdido sus capacidades, los que se rindan al entretenimiento banal, perderán su batalla contra los amateurs que adquieran nuevos conocimientos y competencias, que hagan mejores elecciones y que en última instancia hagan un arte mejor. Así que el futuro nos dará un panorama muy diferente del arte, los artistas y los museos.

AfN: Sr. Weibel, ¿cree que hay cierto peligro de que las obras basadas en los nuevos medios puedan perder su relevancia conforme la tecnología avance?

Weibel: No lo creo. Paul Valéry lo llamó, en un ensayo escrito en 1921, "la conquista de la ubicuidad". Creo que estamos sólo al comienzo, porque por el momento digamos que sólo el 30% de la gente tiene acceso a la tecnología, con lo que el 70% aún no lo tiene. Pienso que la tecnología representa siempre una contribución a la democracia. Puede que se convierta en una batalla económica muy dura, ya que tenemos que luchar contra la industria de los fabricantes de software, que adquieren enormes beneficios por desarrollar esa tecnología. La gente se da cuenta por ejemplo de que SAP, la compañía alemana proveedora de software, es multimillonaria. O Bill Gates: es evidente que gana enormes cantidades de dinero porque vende sus productos demasiado caros. Si esta industria y su red de empresas vendiera sus productos a un precio correcto, no sería multimillonaria. Así que tenemos que luchar contra la industria, ése es el único peligro: la codicia que la gobierna. Pero la tecnología es siempre una herramienta, visible o invisible, para ayudar a democratizar y civilizar a la gente. Todo el mundo, cada individuo, tiene la oportunidad de aprender que esta libertad individual, esta movilidad individual, sólo puede funcionar si se acepta también la libertad individual de los otros. En el caso de un teléfono móvil, puedo telefonear desde cualquier lugar, pero la otra persona debe tener un teléfono abierto, necesito que la otra persona acepte mi llamada. Con esto aprendo que yo también he de tener el teléfono abierto para aceptar llamadas de los otros. Mi propia libertad sólo funciona si doy también libertad a los otros: mi teléfono es inútil si el resto de la gente restringe el suyo, si restrinjo el mío será inútil para la gente. Tenemos que estar siempre abiertos para comunicarnos, de lo contrario la tecnología será un desperdicio. La gente irá aprendiendo poco a poco a tomar responsabilidad de sí mismos y de su tecnología y también de la tecnología de los otros. A través del uso de la tecnología la gente comprenderá las ventajas de la idea de comunidad, de las comunidades tecnológicas y especialmente de las comunidades tecnológicas interesadas en el arte. Las comunidades artísticas siempre hacen las mayores contribuciones a la democracia y a la sociedad civil.

AfN: Pero parece que los actuales avances tecnológicos vienen de la mano de un cierto miedo al progreso.

Weibel: Ése es un fenómeno que en Europa no afecta en absoluto a los jóvenes, sino a la gente vieja de los medios impresos: ellos sí que temen a la tecnología. La gente joven está deseando usar esa tecnología, mientras la gente más vieja intenta defender el monopolio de los tipos móviles, de la letra impresa. Pero es un error, ya que la tecnología moderna simplemente está continuando la tarea de la escritura. La experiencia de la tecnología móvil, los medios móviles, comenzó con los tipos móviles de Gutenberg. Gutenberg inició la movilidad, el movimiento, con la invención de los tipos móviles. Tras éstos llegó la telefonía móvil; es muy fácil, ahora puedes moverte con libertad, puedes imprimir lo que quieras, ver y oir lo que quieras, ¡es algo fantástico! Puedes hacer una foto, un texto o una película y enviárselo a cualquiera desde cualquier lugar. Es una forma de movilización total que tiene su raíz en los tipos móviles de Gutenberg. Tiene muchas consecuencias para el progreso, y la gente que quiere mantener este monopolio no va a aceptar esta idea.




AfN: Históricamente, la aparición de nuevos medios ha forzado a redefinir los paradigmas artísticos; por ejemplo, se dice que la invención de la fotografía tuvo un profundo impacto en el desarrollo de la pintura a partir de fines del siglo XIX. ¿En qué modo están determinando los actuales nuevos medios el desarrollo de los -digámoslo así- medios tradicionales?

Weibel: Es cierto lo que dices: el paradigma de la fotografía cambió esencialmente el arte del siglo XIX. La pintura y la escultura tienen su correspondencia como medios en la fotografía. Incluso algunos de los más famosos pintores como Warhol o Gerhard Richter no hacen uso de la pintura; Warhol no hacía pinturas en el sentido clásico, simplemente hacía fotografías y las imprimía. Era un proceso de impresión. No inventó ni una sola imagen en toda su vida. Extraía imágenes de los mass media, al igual que Richter, quien tiene un archivo de cientos de miles de fotografías; las coge y pinta, proyectándolas sobre pantallas y cuadros, etc. Todos los artistas visuales, escultores o pintores, hacen referencia a los media, desde el cine de Hollywood a la fotografía. Las imágenes de los media están ya en una situación dominante, y nosotros experimentaremos el cambio del paradigma de la fotografía al paradigma de la red global. Al igual que la fotografía en los siglos XIX y XX, la red será el paradigma del arte del siglo XXI.

AfN: Pero, en su opinión, ¿en qué modo va a influir este nuevo paradigma de internet en nuestros procesos de percepción?

Weibel: Todo lo que puedo decir es que va a cambiar nuestra percepción del color, como hicieron los impresionistas; la gente se dará cuenta de que hay diferentes modos de percibir el color del mar, por ejemplo. Hoy en día a la gente le encanta el Impresionismo, porque se mira a los impresionistas con esta experiencia de la fotografía. En 20 años, cuando la gente mire a los impresionistas con los ojos de internet, dirá: "es una pintura muy mala, muy incompetente". Pero creo que entonces mirará las obras de Velázquez y Goya y dirá "éstos son auténticos maestros", porque la calidad de esos artistas puede apreciarse mucho mejor con la experiencia de internet, y puedes experimentar lo bueno que es tener una pintura microscópica, no macroscópica como la de los impresionistas. Así que la gente se dará cuenta de que hay una nueva base para la pintura, pero también para la escultura, y por último la gente hará obras diferentes con nuevos medios. Pero ese tipo de obras son ahora difíciles de ver, porque no son hechas por la gente que enseña arte. Las academias de arte no son el lugar para los nuevos artistas: el propio internet es la academia de los futuros artistas.



Entrevista: Raúl Molín López
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