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Entrevista a Flo Maak por Teresa Meucci


Flo Maak, image control, future 1, 112 x 72 x 8 cm, pigmento para impresión, aluminio, lámpara, cableado eléctrico, 2010, Ed. 4 + 1 AP

Conocí al artista alemán Flo Maak (1980) en Villa Romana con ocasión de un evento que reunía a artistas internacionales en Florencia, en el que Flo participaba en la exposición grupal “After Prisma”, comisariada por Paolo Emilio Antognoli Viti y abierta al público hasta el 29 de julio. Flo Maak es un fotógrafo, artista audiovisual y de instalaciones con residencia en Frankfurt.

TM : Hola Flo, gracias por concedernos esta entrevista. Actualmente además de la exposición grupal de Villa Romana, exhibes tu trabajo en la exposición individual Living in the Lobby en la galería Bernard Knaus en Frankfurt hasta el 30 de julio. En esta exposición se exhiben diez fotografías realizadas en 2011. ¿Forman todas parte de una serie?


FM : Las obras de la exposición Living in the Lobby no fueron concebidas en un principio como una serie, sino que son una selección de trabajos individuales Me gusta pensar que las exhibiciones son como constelaciones. Cuando miras al cielo de noche y trazas líneas imaginarias entre las estrellas, de pronto su posición individual cobra sentido, porque entran en conexión con algo más grande. Pero las mismas estrellas pueden formar parte de diferentes constelaciones y por lo tanto cambiar de forma drástica su significado. Esta idea de las constelaciones se ve reflejada en mis obras en al menos tres niveles interrelacionados. En primer lugar, siempre busco momentos que fotografiar en los que las cosas “hablen” a través del contexto en el que se sitúan. En Segundo lugar, trabajo con mi archivo, pongo unas obras junto a otras para encontrar una relación entre ellas. Por ejemplo, algunas de las fotografías de esta exposición que tomé mientras viajaba por Estados Unidos, están relacionadas con lugares de tránsito y transición, pero podrían formar parte de historias narrativas completamente distintas. Además, la instalación de cada pieza – elección del formato, marco y posición en el espacio– determina las posibles diferentes conexiones y relaciones interactivas que se establecen entre las obras. Por último, las diferentes sensaciones e interpretaciones que evocan las imágenes nos llevan a establecer muchas otras relaciones. Este es el tercer nivel, el que crea el espectador al contemplar las constelaciones de la exposición, modificándola. De acuerdo con este concepto, la exposición no es el final, sino un proceso vivo. Esto no significa que nunca trabajo con series. Hace un año realicé una serie de collages titulada Shelter (2009) e incluso en la presente exposición las tres obras Image control, future 1, 2 and 3 fueron concebidas como una serie. Algunas veces hay que distanciarse de la idea de partida para expresarse, pero a menudo las series suelen ser la elección más cómoda.


TM : Acaba de mencionar un archivo personal en el que colecciona material de diversa índole. El combinar aquello que ha encontrado con obras creadas por usted mismo es uno de los aspectos más distintivos de su trabajo. ¿Nos podría hablar más en detalle del contenido de este archivo personal?


FM : Este archivo no sólo incluye mis fotografías, sino también imágenes, objetos y todo tipo de textos, como extractos de periódicos, que he encontrado. No me gusta definirme como un artista que trabaja con material de archivo. Este archivo sólo es una herramienta para mi, una gran fuente de inspiración. Casi cada día, cojo mi cámara y tomo fotos para captar diferentes momentos, que junto con otras cosas que llaman mi atención durante el día, pasan a formar parte de mi archivo. Una de las fotografías expuesta en Villa Romana, The order of things (2009), muestra una escena en la calle en Atenas. No modifiqué ni cambié nada de esta foto, ya que se podría decir que documenta una situación actual. La peculiar combinación de objetos y texturas de esta imagen recuerda al orden que podría ver en la exposición de un museo de historia natural. Por supuesto, no se trata sólo de captar una situación, ya que yo reinterpreto lo que veo desde mi punto de vista, y elijo una luz y un momento concreto. Cuando trabajo con mi archivo lo que hago es establecer conexiones entre cosas que ya existen.


TM : Cuando recurre a su archivo, juega con los bordes de las fotografías, creando así collages dimensionales (Shelter) y tridimensionales (Image control future). Hubo alguien que se refirió a su trabajo como “extended photography”, y yo creo que es una descripción acertada de su trabajo artístico. ¿Está usted de acuerdo?


FM : Me gusta la denominación “extended photography”, porque hace hincapié en la relación entre la imagen, el espacio que la rodea y su referencia. Así es como veo también la fotografía convencional. En mi trabajo intento hacer que esta prolongación sea evidente, como pueden ver en el caso de Stairs (red), (2009), una instalación sobre la que puedes caminar, que se ha expuesto junto con los collages de la serie Shelter. Lo que me proponía era prolongar la imagen más allá de su marco, introduciéndola en el espacio de exposición. En trabajos anteriores en los que fotografié baños públicos también hice literalmente, que el espacio de la foto continuase fuera de la misma. En las tres obras Image Control, Future 1, 2 and 3 (2011) intenté establecer estas relaciones dentro de una misma pieza.



Flo Maak, stairs (red ), vista de la instalación, aprox 135 x 60 x 135 cm, madera de roble blanca, MDF, policromada, 2009


TM : Este cambio de un trabajo fundamentado en la imagen a su representación material, refleja una larga tradición en arte conceptual. Estoy pensando en las obras de Joseph Losuth, consideradas como parte del principio del conceptualismo. ¿Qué significa para usted esta herencia artística, se siente parte de ella o prefiere distanciarse? Y en caso de ser así, ¿cómo definiría su contribución personal a la misma?

FM : Cuándo estudiaba, sentía un gran interés por el trabajo de Joseph Kosuth. Fue uno de los primeros en experimentar con la representación triangular de una idea, fotográfica, textual y física. Dentro de lo que llamamos extended photography, su trabajo es de gran importancia, ya que estableció relaciones entre diferentes medios de representación. Sin embargo, ahora cuando pienso en su trabajo, su enfoque analítico me parece un tanto anodino. Aunque su trabajo constituye un punto de referencia para mi, prefiero tomar un enfoque más emocional en mis representaciones.


TM : Las obras Image Control, Future 1, 2 and 3 (2011) tratan el concepto de la “red”, un elemento iconográfico predominante en su trabajo. ¿Cómo concibió estas tres obras y qué significa la red para usted?


FM : Estoy obsesionado con las redes. Están presentes en el estado previo de cualquier estructura, y da la impresión de que no van a desaparecer si es que lo hacen. Mi punto de partida en estas obras fue crear la ilusión de un espacio tridimensional mediante una estructura en forma de red, como la que se utiliza en complicados modelos arquitectónicos. Jugué con la sensación de profundidad colocando focos en la parte superior de las imágenes, pero en lugar de reforzar esta ilusión, los focos y la luz la desmentían, creando una paradoja. Así mismo, en mis obras me gusta combinar materiales que transmiten diferentes niveles de calidad, como lo valioso en el caso de la red de metal, y lo corriente en el de las luces de neón. Si consideramos que las nuevas tecnologías informáticas han fomentado la actual obsesión por predecir y controlar el futuro, todas estas predicciones se plasman por medio de redes de píxeles. Me gusta burlarme de este fenómeno.



Flo Maak, Daily Pattern, 60 x 80 cm, pigmento para impresión, mate, artista marco, 2011, Edición 4 + 1 AP


TM : Hay otras dos obras en la exposición que tratan el tema de la red. Me refiero a Daily Pattern (2011) y a In the grid (2011), ambas tomadas en Nueva York. Estoy segura de que el urbanismo en forma de red de Manhattan fue una gran fuente de inspiración para usted, ¿no es cierto?


FM : Sí, al vivir en Nueva York es inevitable no verse influenciado por su red urbana, que fue concebida para facilitar el control de la ciudad y la planificación arquitectónica. Es de gran ayuda si no eres de la ciudad, pero la red sigue comportando una connotación negativa para mi, porque estás atrapado en ella. Hay una expresión en inglés “estar desconectado de la red”, que significa que eres invisible para el resto y puedes escapar de todo control. Algunas veces entrar a formar parte de la red es la mejor forma de desconectarse de la red


TM : El título de esta exposición, Living in the Lobby, extrajo de un video en el que todavía está trabajando, que trata sobre la naturaleza transitoria de los hoteles. The reading room (2010), es una fotografía que también fue tomada en un hotel. ¿Qué es lo que le fascina tanto de estos lugares transitorios?

FM : “La gente va y viene, nunca pasa nada.” Esta es la premisa de la película “Grand Hotel” (1932) de Edmund Goulding. En general los hoteles son unos lugares han jugado un papel muy particular en la historia. Puede ser un lugar de evasión, fortuna, oportunidad transformación, así como un lugar de anonimato, privacidad y aislamiento. Los hoteles son lugares impregnados por la presencia de anteriores viajeros y continuas transiciones. The reading room muestra parte del vestíbulo de un hotel, al que el director del hotel se refirió como la sala de lectura. Me pregunté si sería capaz de leer en un sitio así, cuando cada gesto se veía reflejado en los espejos. ¡La verdad es que tiene que ser una lectura muy extraña! Hay objetos bastante valiosos en la habitación, otros son más bien baratos, pero es difícil distinguirlos. Siempre he sentido interés por los ambientes difíciles de juzgar. La fotografía muestra un espacio plano, la imagen se reduce a un único plano. Pero no sólo no hay profundidad espacial, sino que tampoco temporal. Las flores no se marchitan porque son artificiales y la muerte no les afecta.



Flo Maak, The Reading Room, 100 x 70 cm, pigmento para impresión, polietileno, artista marco, 2010, Edición 4 + 1 AP


TM : El efecto de una imagen plana es algo que también se percibe en la obra Bringing the war home (2011), en la que los edificios que se reflejan en la ventana de un centro de reclutamiento son planos al igual que las siluetas de los soldados. ¿Cuál es el tema de esta fotografía y qué simboliza la falta de perspectiva en cuanto a la composición de la imagen y significado?


FM : El título de este trabajo lo tomé de la serie de collages homónima de Martha Rosler, en la que combinaba imágenes de revistas femeninas del momento con imágenes de la guerra. Rosler unió las esferas públicas y privadas para llamar la atención sobre su separación. En la actualidad la frontera entre lo público y lo privado es mucho más difusa, y la realidad de la guerra llega a los hogares en tiempo real. Me gusta cuando los espacios y lugares que normalmente se considera que deben estar separados, se solapan. En fotografía no existe la necesidad de hacer uso de recursos que creen la ilusión de profundidad tal y como se hace en la pintura, la perspectiva lineal es de por sí un elemento propio de su concepción física. Me gusta ir en contra de esta característica y buscar una perspectiva plana mediante la fotografía.



Floo Maak, Bringing the War Home, 87,7 x 128 cm, pigmento para impresión, dibond, artista marco, 2011, Edición 4 + 1 AP


TM : The Shelter series es un proyecto que nació en 2009, en el que refleja la relación entre el hombre y el animal. En concreto, Shelter 01 parece un homenaje a la famosa actuación de Joseph Beuys, I like America and America likes me, realizada en 1974 en la René Block Gallery de Nueva York. Al final de la performance el artista se reconcilia con el animal salvaje. ¿Es este también su objetivo? Y ¿Cómo se le ocurrió la idea de solapar pequeñas imágenes de animales sobre objetos difíciles de reconocer?


FM : La referencia a Beuys ahora parece muy evidente, pero la verdad es que nunca había pensado sobre la relación entre su trabajo y mi fotografía antes. Es interesante, porque aunque no me guste mucho el trabajo de Beuys, encuentro las imágenes que documentan esta actuación bastante estimulantes. El coyote no quería dormir en el heno, sino que prefería la pila de periódicos. Beuys estaba en un principio cubierto por unas mantas en forma de tienda de campaña y el coyote tiraba violentamente de ellas hasta que se las quitaba. Daba la impresión de que estaban discutiendo acerca de un refugio adecuado y de cómo coexistir, y al hacer esto influían el uno en el otro. El animal para Beuys tenía un significado muy simbólico el resto de las cosas con las que trabajaba. A mi me interesaban más los animales en sí mismos, y no tanto su connotación simbólica, así como la relación entre ellos, el ser humano y diferentes estructuras. Construí refugios muy simples utilizando materiales baratos, y después los fotografié en mi estudio. Después con el ordenador añadí fotos de animales fotografiados en zoológicos y parques, haciéndolos transparentes y alterando sus colores para que tuvieran un aspecto más artificial en su nuevo entorno. Creo que el parecido entre zoológicos y museos como instituciones públicas es fascinante. Ambos fueron creados en el siglo XIX con fines educativos, de investigación y ocio. Representan una mezcla muy interesante de percepción visual, placer y conocimiento. Esto ha sido un tema muy recurrente en mi trabajo, no sólo en el caso de las Shelter series, sino también en otras fotografías, un vídeo, una reproducción de audio y diversas esculturas. Algunas importantes películas como Zoo in Budapest (1933), Cat People (1942) y su versión moderna de 1982, fueron rodadas en zoológicos, así como el documental de Werner Herzog, Grizzly Man (2005). Estas y otras muchas referencias cinematográficas reflejan la complejidad de la relación del ser humano y los animales.



Floo Maak, shelter 01, 85,7 x 100 cm, c-print montado sobre Dibond, 2009


TM : ¿Siempre ha trabajado con la fotografía digital?


FM : Todas las imágenes que se exponen en la Bernhard Knaus Gallery las hice con una cámara digital. Sin embargo, para hacer las Shelter series usé una cámara analógica de pequeño formato y después escaneé los negativos para componer las imágenes finales en el ordenador. Trabajé de esta forma porque necesitaba un material con una alta resolución y entonces esto no era posible con un equipo digital. Actualmente la calidad de la fotos tomadas con una cámara digital es tan buena que ya no necesito usar una cámara digital.



Entrevista realizada por Teresa Meucci

Traducido por Carolina Zapatero

www.bernhardknaus-art.de

(4.8.2011)

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